О чём выставка «Сцена действия» в «Манеже»
Новый проект рассказывает об отношениях театра и публики в разные исторические эпохи. О знаковых спектаклях и их создании. Сюжет выставки уложился в семи новеллах — «театральных картинах», каждая из которых помогает посмотреть на культовые постановки не только с точки зрения культурного развлечения, но и с позиции социального значения.
«Мы говорим о том, почему вообще возникает сценическое действие, на какие вопросы оно отвечает, какие люди его вдохновляют, и какие темы актуальны в тот или иной период времени», — рассказала об идее выставки журналистам на вернисаже директор «Манежа» Анна Ялова.
Фото: Юлия Буркова / Горбилет
В основе сюжета каждой «картины» — несколько спектаклей от XVII до XXI века, которые стали поворотными точками в истории русского драматического театра.
Экспозиция объединяет более 1000 предметов — среди них есть театральные эскизы, костюмы, афиши и фрагменты декораций. Дополняют исторический контекст живопись, графика, скульптура, фрагменты кинофильмов и архивные документы.
Предметы привезли из 98 институций: театров, частных собраний и музеев, включая Эрмитаж и Третьяковскую галерею. Особый размах выставки объясняется значимым поводом.
Фото: София Должикова / Горбилет
«В этом году мы отмечаем 150-летие Союза театральных деятелей. А открыт он был в 1876-м именно в Санкт-Петербурге. Из этого великого города и пошла традиция нашего товарищества», — сказал председатель объединения, народный артист России Владимир Машков.
Он также поделился впечатлением от наполнения экспозиции: «Я прошёл чуть-чуть по выставке. Какое количество артистов, режиссёров, художников, скульпторов работали и получали вдохновение от театра: они точно сказали, насколько театр был всегда необходим людям, государству. Мы и сейчас чувствуем, что не можем жить без открытий, которые сделали наши великие предшественники».
Фото: София Должикова / Горбилет
«Сцена действия» устроена нелинейно. По словам куратора Юлии Сталь, знакомиться с выставкой можно в удобном темпе, погружаясь в историю отдельных спектаклей, в той последовательности, в которой вам захочется.
«Это наша попытка воспроизвести зрительское переживание. Здесь нет никакого порядка, каждый из спектаклей отвечает за сюжет, заявленный в картине. Кроме того, у каждой из них есть тизер, на который стоит обратить внимание», — рассказала о замысле Сталь.
Несмотря на это, начальная точка и логика построения у выставки, конечно, есть.
Как устроена «Сцена действия» в «Манеже»
Картина первая — рождение режиссёрского театра
За занавесом «Сцены действия» скрывается картина Эрика Булатова «Джоконда» из фонда культуры «Екатерина». Работа заигрывает со зрителем и приглашает сделать шаг в театральный мир.
Фото: Юлия Буркова / Горбилет
Первой остановкой на пути становится раздел, посвящённый культовому «Маскараду» Всеволода Мейерхольда, премьера которого прошла в Александринском театре 25 февраля 1917 года.
Постановка, которую готовили целых три года, стала самой дорогой за всю историю императорской сцены. Городской казне она обошлась в 300 тысяч рублей золотом (в нынешнем эквиваленте — порядка полумиллиарда рублей!). А всё потому, что работа над спектаклем затянулась из-за Первой мировой войны.
Фото: София Должикова / Горбилет
Всего для «Маскарада» было подготовлено более четырёх тысяч эскизов оформления, костюмов и бутафории. Их создавал художник Александр Головин. В числе наработок были пять тематических занавесов: основной, бальный, маскарадный, игорный и погребальный. Но запомнился спектакль не столько творческими и финансовыми тратами, сколько посылом — постановка Мейерхольда стала трагическим реквиемом по гибнущей Российской империи.
Фото: София Должикова / Горбилет
В «Маскараде» режиссёр достиг пика «условного театра». В зале Мейерхольд хотел видеть зрителя, который понимает, что наблюдает за искусственной сценой, актёрами и процессами, в которых действуют определённые правила.
Фото: София Должикова / Горбилет
Поэтому акцент в спектакле сделали на красочные декорации, которые превращают зал и сцену в единое пространство. Особого внимания достойны игральные карты, полностью отрисованные Головиным, а также розовое платье, собранное из двух костюмов — 1917-го и 1932 года.
Фото: София Должикова / Горбилет
Другая эмблематическая постановка в первой «картине» — «Вечно живые» Олега Ефремова и Галины Волчек, ставшая символом эпохи оттепели и открывшая зрителям московский театр «Современник». После знаменитой речи Хрущёва на XX партийном съезде юные актёры, недавние выпускники училищ, хотели видеть свободу не только в обществе, но и на сцене.
Фото: София Должикова / Горбилет
По соседству с «Вечно живыми» скрывается раздел о первой пьесе русского театра «Артаксерксово действо», написанной по указу царя Алексея Михайловича лютеранским пастором Иоганном Готфридом Грегори. Премьера адаптации библейского сюжета «Книги Есфири» состоялась в Комедийной храмине в селе Преображенском 27 октября 1672 года.
Действие сопровождали пение, звуки органа и труб. Сцену же украсили десятки расписных деревянных «рам перспективного письма» — прототипы будущих декораций. В экспозиции сюжет об этом представлении иллюстрируют роскошные костюмы, расшитые дорогими тканями и мехами.
Фото: София Должикова / Горбилет
Картина вторая: театр, в котором появляется автор
Глава представлена несколькими спектаклями. Начать осмотр можно с истории «Дней Турбиных» Ильи Судакова. Постановка МХАТа 1926 года смещает фокус зрительского внимания. В центре оказывается не столько трагедия, случившаяся с «белыми», сколько изменения в обществе молодой Страны Советов.
Спектакль был очень популярным, однако Михаил Булгаков, автор пьесы, находился под давлением новой власти. В 1929 году «Дни Турбиных» запретили, обратно на сцену постановка вернулась только в 1932-м.
Фото: София Должикова / Горбилет
По соседству с театральным опусом Судакова — глава об «Оптимистической трагедии» Александра Таирова. Спектакль вышел в свет 18 декабря 1933 года.
В постановке режиссёр обратился к пьесе советского драматурга Всеволода Вишневского, но в процессе работы фактически создал её новую редакцию. Главными действующими лицами истории стали фигуры нового времени, революционных лет. Например, женщина-комиссар-матрос.
Фото: Юлия Буркова / Горбилет
Постановка была необычна тем, что объединила сразу нескольких видов искусства, включая балет и музыку. Кроме того, «Оптимистическая трагедия» наполнена массовыми сценами: составить впечатление об оформлении можно по эскизам, которые представлены на выставке.
Дополняют тенденцию времени картина «Матрос» Александра Татлина и фотографии со сценографией художника спектакля Вадима Рындина: сцена в форме минималистичной спирали символизирует новый строй. При этом конструкция легко трансформировалась в корабль, поле боя и амфитеатр, в котором можно было собрать большое количество актеров.
Фото: Юлия Буркова / Горбилет
В центре зала зритель наблюдает «Гамлета» Юрия Любимова 1971 года. Легендарная постановка с Владимиром Высоцким в главной роли шла в столичном Театре на Таганке. Здесь сочетается документ времени, запечатлённый как режиссёром, так и самим бардом. В центре внимания публики — разочарование после оттепельных лет и личная борьба Любимова за Таганку.
Фото: София Должикова / Горбилет
Из экспонатов следует обратить внимание на чёрный свитер Высоцкого (Гамлет единственный из действующих лиц носил тёмный цвет), его гитару и уникальный занавес, сотканный добровольцами вручную. Сценическое решение, придуманное художником Давидом Боровским, создавало ощущение замкнутости и зыбкости датского мира перед катастрофой.
Фото: София Должикова / Горбилет
Заключает картину «Недоросль» Вольного театра. Спектакль впервые показали 24 сентября 1782 года. Пьеса Фонвизина — первый яркий пример ключевой роли автора на русской сцене. В своём произведении писатель выложил все острые политические идеи и раскритиковал власть Екатерины Великой. Во время написания Фонвизин задумывался, как бы сам поставил «Недоросля».
Фото: София Должикова / Горбилет
Картина третья — как пьеса становится спектаклем
«Чайка» Константина Станиславского и Владимира Немировича-Данченко, поставленная в Московском художественном театре 17 декабря 1898 года — пример того, как попытка режиссёров прислушаться к автору пьесы помогает достичь колоссальных результатов.
Фото: София Должикова / Горбилет
После провала на Александринской сцене чеховское произведение ставить никто не хотел, но режиссёры взялись за него и преуспели. Дело в том, что идеи Чехова были понятны и знакомы Станиславскому, поэтому за постановку сцены и декорации отвечал он. Немирович-Данченко же сосредоточился на работе с актёрами. В результате благодаря полному погружению постановщиков, историю смог прочувствовать и зритель. Публике казалось, будто на сцене проходит реальная жизнь (и тут даже у нас непроизвольно вырывается: «Верю!»).
Иначе зритель посмотрел на Чехова в 1967 году, когда Анатолий Эфрос поставил «Трёх сестёр» в Театре на Малой Бронной. Режиссёр усомнился в жиснестойкости чеховских героев и изобразил их быт без надежды на перемены и «лучшее завтра».
Фото: София Должикова / Горбилет
Подход Эфроса в корне отличался от задумок других постановщиков. Чтобы подчеркнуть разницу замыслов режиссёров XIX и XX века, материалы о двух постановках в залах поместили друг напротив друга. Раздел также иллюстрируют подлинные пенсне, шарф и шляпа Антона Павловича.
Фото: Юлия Буркова / Горбилет
Ещё один особый спектакль — «Борис Годунов» Александра Яблочкина. История создания этой постановки — пример того, как произведение может дожидаться своего режиссёра.
Пьеса, которую Пушкин написал в 1825 году, находилась под запретом до 1866-го: её нельзя было поставить в театре. Когда ограничение сняли, Яблочкин взялся за создание спектакля и завершил работу в 1870 году.
Фото: Юлия Буркова / Горбилет
К созданию эпоса подошли серьёзно: к созданию реквизита привлекли историков и археологов. Ради масштаба постановку даже решили перенести с Александринской сцены на Мариинскую. Позднее публике представили и знаменитую оперу «Борис Годунов» Модеста Мусоргского. Титульная партия стала коронной для Фёдора Шаляпина — его костюм из этой постановки можно увидеть на выставке.
Другой спектакль, попавший на «цензурные страницы» театральной истории — «Горе от ума» Александра Грибоедова. Несмотря на «сырую» постановку труппы Малого театра, сборные декорации и актёрскую разностильность, спектакль занял своё место в пантеоне «великих». Произошло это во многом благодаря выдающемуся таланту Михаила Щепкина, сыгравшего Фамусова. К бенефису актёра пьесу Грибоедова и поставили впервые в 1830 году.
Фото: София Должикова / Горбилет
Картина четвёртая — театр осознаёт себя как общество
Когда окажетесь в следующем разделе, загляните в небольшой закуток, где спрятаны экспонаты к «Грозе» по пьесе Александра Островского, поставленной 17 ноября 1859 года на сцене Малого театра. Эта небольшая локация раскрывает идею театралов того времени — они осознают, что могут менять реальность с помощью искусства.
В пространстве выставлены фотографии со сценами из той «Грозы»: на них запечатлены Надежда Рыкалова в роли Кабанихи, Катерина в исполнении Любови Никулиной-Косицкой.
Фото: София Должикова / Горбилет
Актёрский состав — пример экспериментов Островского, который сам распределял роли для премьеры и несколько раз менял актёров. Центральное изменение в постановке — мышление драматурга через мелодраму перерастает в осознание народной трагедии.
Фото: София Должикова / Горбилет
Более позитивное влияние было у комедии «Без вины виноватые» Петра Фоменко. В отличие от тяжёлой «Грозы», режиссёра создал добрый спектакль — премьера постановки по Островскому состоялась 24 апреля 1993 года в Театре имени Евгения Вахтангова. Интересно, что действие перенесли в буфет, где герои буквально исповедовались перед зрителями.
Фото: София Должикова / Горбилет
Важнейшей вехой в развитии русской сценической жизни стало создание детского театра, а это произошло уже после революции. На выставке история раскрывается на примере спектакля «Конёк-Горбунок» Александра Брянцева, который стал первым в петербургском ТЮЗе. Показанная 23 февраля 1922 года постановка стала программным сочинением в истории театра для самых юных.
Фото: София Должикова / Горбилет
Сценография Владимира Бейера и Евгения Якобсона напоминала расписной терем, а музыка Петра Петрова-Бояринова делила действие с помощью хоровых зачинов. «Конёк-Горбунок» Брянцева оказался настолько популярным, что только в первый год театр показал его 100 раз.
Фото: София Должикова / Горбилет
Картина пятая — место, где герой встречается со зрителем
Самым «ранним» сюжетом в этой «новелле» по праву считается «Хорев» по трагедии Александра Сумарокова, представленный в Малом театре подле Зимнего деревянного дворца в 1758 году. Успех этого спектакля способствовал становлению профессионального театра России, а сюжет показал пример того, какой должна быть классицистическая трагедия. Зрители открыли в «Хореве» нового героя — благородного, способного на страстную любовь.
Фото: София Должикова / Горбилет
После экскурса в прошлое гостю выставки предлагают перенестись на 200 лет вперёд. Петербург 1966 года в объективе Всеволода Тарасевича соседствует с фотографией Иннокентия Смоктуновского в образе князя Мышкина. Именно этот герой, появившийся в «Идиоте» Георгия Товстоногова года на сцене Ленинградского Большого драматического театра, поменял восприятие романа Достоевского у зрителей. Режиссёр показал Мышкина как святого человека, который в хаосе способен сохранить свой внутренний мир.
Фото: София Должикова / Горбилет
Далее «Взрослая дочь молодого человека» в постановке Анатолия Васильева встречает зрителя макетом сцены советской квартиры, где происходит встреча однокурсников, которые не виделись десятилетия. Банальная история оборачивается исповедью разочарованного поколения.
Фото: София Должикова / Горбилет
В спектакле, поставленном на сцене Московского драмтеатра имени К. С. Станиславского, артисты будто двигаются по диагонали, взаимодействуют с предметами эпохи, например, пластинками на рентгеновских снимках.
Фото: София Должикова / Горбилет
Тема продолжается в работе Игоря Макаревича «Воскресные вечера для любителей музыки». Арт-объект представляет собой собирательный образ студии, где записывали «музыку на костях». Дополняют повествование «Натюрморт с Неделей» Анатолия Никича-Криличевского и «25 воспоминаний о друге» Макаревича.
Фото: София Должикова / Горбилет
Заключительным сюжетом пятой картины стали «Бесы» Льва Додина, поставленные на сцене МДТ — Театра Европы в 1991 году. В спектакле о революционных идеях XIX века нашлось место и для итогов XX столетия. Отражённые, как в кривом зеркале, события столетия сопровождал режиссёрский юмор, который сделал трёхактный, девятичасовой спектакль абсолютным хитом среди зрителей.
Фото: София Должикова / Горбилет
Картина шестая — приехал ревизор
Следующая глава посвящена одному лишь гоголевскому «Ревизору». Пьеса, которая вот уже почти 200 лет смешит зрителей, точно заслужила отдельного разговора.
Фото: София Должикова / Горбилет
Одна из его тем — «Ревизор» в постановке Всеволода Мейерхольда 1926 года. В спектакле режиссёр-новатор прибегнул к новому эксперименту — он поставил классику в гротескном варианте и переосмыслил образы героев. Действие оказалось настолько абсурдным, что буквально распадалось на части.
Важный экспонат этого раздела — эскизы мозаик с лицами персонажей пьесы. Произведения создавали под руководством Владимира Фролова — потомственного мастера, отец которого исполнял заказы на оформление Исаакиевского собора.
Фото: София Должикова / Горбилет
Панно по мотивам комедии Гоголя дают представления о масштабе мозаик, которые должны были занять место на фасаде театра Мейерхольда в Москве. Всего было шесть фризов с разными сценами из «Ревизора». Они были готовы уже в 1937 году, но оказались не нужны: в 1938-м театр ликвидировали. Представленные на выставке мозаики — чудом уцелевшие фрагменты, которые хранят память о масштабном замысле Мейерхольда.
В разделе говорится также и про другие знаковые постановки «Ревизора» разных периодов и режиссёров: Константина Станиславского, Валентина Плучека (с Андреем Мироновым в роли Хлестакова), Валерия Фокина на сцене Александринского театра, которую представили публике в прошлом сезоне. К слову, «Горбилет» побывал на этой постановке и рассказал о ней в статье.
Фото: София Должикова / Горбилет
Картина седьмая — зритель выбирает мечту
Заключительная часть выставки погружает в историю спектаклей, которые особо полюбились публике. Создатели этих постановок не побоялись решиться на эксперимент. Либо изменили сюжет, чтобы приблизить историю к зрителю, либо нашли нестандартные приёмы.
Первый пример — «Укрощение строптивой» Игоря Владимирова с Алисой Фрейндлих в главной роли. Премьера вольной интерпретации пьесы Шекспира состоялась 29 декабря 1970 года. Сенсационный спектакль Театра им. Ленсовета можно назвать практически постмодернистским. Прямо со сцены артисты просили прощения у Шекспира и открыто заявляли зрительному залу, что разворачивающееся действие — комедия. Кроме того, в качестве реквизита неожиданно появлялись хирургические снимки, а к известным частям были добавлены музыкальные номера.
Фото: София Должикова / Горбилет
На архивных фотографиях постановки можно разглядеть фрагменты сцены. Доминантой декораций был арочный замок: он выполнял функцию театра теней и всегда был в центре действия.
Фото: София Должикова / Горбилет
В этом же разделе говорится про известную рок-оперу Алексея Рыбникова «Юнона и Авось» по поэме Андрея Вознесенского с Еленой Шаниной и Николаем Караченцевым в главных ролях. Марк Захаров представил постановку в московском Ленкоме в 1981-м, на исходе брежневской эпохи, когда буквально всё вокруг кричало о том, что общество ждёт перемен. Сложная история любви путешественника Николая Резанова и юной Кончиты стала символом победы чувства над всеми невзгодами.
Фото: София Должикова / Горбилет
В спектакле, ставшем хитом, было продумано всё, в том числе и особое устройство сцены, которая раздвигалась и превращалась в корабль. Представить, как это выглядело, помогают фотографии постановки и макет замысловатой конструкции. Кроме того, сюжет дополняют скульптуры и серия живописных работ, схожих по колориту с визуальным решением спектакля Ленкома.
Фото: София Должикова / Горбилет
Следующая история посвящена другому произведению на полуисторический сюжет, только из дореволюционной России. Трагедия «Дмитрий Донской» по пьесе Владислава Озерова производила фурор с премьерного 1807 года по 1840-е. Секрет популярности — синтез звучного слога и выдуманного драматургом любовного треугольника, главным действующим лицом которого становится вымышленная княжна Ксения.
Импульсивные поступки Дмитрия в борьбе за избранницу делали исторического персонажа более понятным зрителю и подводили к ответу на главный вопрос: ради чего вообще стоит жертвовать своей жизнью.
Фото: София Должикова / Горбилет
Иллюстрируют сюжет предметы в витринах — бутафорские шлемы, турецкий бунчук и рукописный альбом 1830–1840-х годов со стихами и рисунками.
Далее в окружении работ Ольги Розановой перед зрителем появляется заключительный сюжет — экспонаты, связанные с «Принцессой Турандот» Евгения Вахтангова. В первые недели показов в 1922-м театр давал этот спектакль до пяти (!) раз в неделю. Изначально ставить хотели по трагикомедии Фридриха Шиллера, но позже остановились на фьябе (сказке) Карло Гоцци. Настроение постановки передаёт макет сцены — необычный и даже отчасти волшебный.
Фото: София Должикова / Горбилет
Дополняли визуальный ряд «многослойного спектакля» яркие декорации, что сменялись будто картины, и вечерние платья, придуманные модельером Надеждой Ламановой. К слову, в экспозиции представлен подлинный костюм Турандот.
Как заканчивается «Сцена действия»
В финале выставка закольцовывается. На выходе из экспозиции зрители видят уникальный экспонат — подлинный антрактный занавес, созданный по эскизам Александра Головина к спектаклю Всеволода Мейерхольда «Маскарад» 1917 года. Артефакт ранее уже показывали в Манеже — ровно 40 лет назад на выставке «Театр. Образы и реликвии». В новой экспозиции раритет впервые представлен вместе с арлекином (так называют верхний горизонтальный занавес), как это задумывал автор.
Фото: София Должикова / Горбилет
Как рассказала журналисту «Горбилета» экскурсовод Пелагея, занавес доставили из Александринского театра, где он, свёрнутый, хранился над главной сценой.
«К нашей выставке не было возможности полностью отреставрировать занавес, потому что этот процесс занимает несколько лет. По материалу он очень похож на плакат, поэтому его нельзя складывать. Транспортировку осуществляли в рулоне, затем провели консервацию, чтобы во время выставки полотно не разрушилось», — объяснила Пелагея.
Как работает выставка «Сцена действия» в «Манеже»
Экспозиция открыта с 25 сентября 2026-го по 14 февраля 2027 года. С понедельника по пятницу выставочный зал работает с 12:00 до 21:00, в выходные и праздничные дни — с 11:00 до 21:00.
Фото: София Должикова / Горбилет
Билет по стандартному тарифу стоит 400 ₽ по понедельникам, 500 ₽ со вторника по пятницу и 800 ₽ в выходные дни и праздники. Для студентов и учащихся стоимость 200 ₽, 250 ₽ и 400 ₽ соответственно, для пенсионеров — 200 ₽ в любой день. Дети до 14 лет проходят бесплатно.
Что ещё почитать:
«Незнакомка», портреты Серова и акварели княгини: на что обратить внимание на выставке «Великая» в Русском музее
Античный Рим в Эрмитаже, юбилей драматического театра в Манеже, море Айвазовского: главные выставки осени-2026 в Петербурге
Пьеса Водолазкина, рок-мюзикл по песням «Агаты Кристи», балет «Раймонда»: что готовят театры Петербурга в сезоне 2026/2027
Больше идей для досуга в Петербурге и других городах России — в мобильном приложении «Горбилета»